NOTE DI REGIA

Marpiccolo

Quando ho letto per la prima volta la sceneggiatura ho pensato immediatamente a Napoli come luogo simbolo della durezza della vita di oggi. Mi sono però detto che forse Napoli era troppo vista al cinema... Poi, per caso, durante un viaggio nel Sud d'Italia, mi sono imbattuto in Taranto: per la prima volta e senza esitazione ho deciso che questa città era perfetta per raccontare questo film. Una città molto bella, molto simile a Siracusa, grecale come Siracusa, e vergognosamente ferita dalla presenza della più grande e inquinante industria d'acciaio d'Europa. Ecco, la giustapposizione della bellezza naturale e storica della città alla grande e infernale fabbrica dà il sentimento più vicino alla rabbia e alla frustrazione del mio personaggio protagonista, un giovane pieno di talento e senza alcuna speranza. Attorno a lui una comunità la cui forza di sopravvivere nonostante tutto mi ha toccato nel profondo.

Alessandro di Robilant

NOTE DI REGIA

Ce n'è per tutti

"Ce n'è per tutti" affonda le radici nella forma e nei contenuti della commedia all'italiana degli esordi. Dipinge personaggi immersi in una realtà che tutto ingloba e colora, tanto da diventare uno spaccato della società contemporanea e delle contraddizioni che in essa albergano. Ma se questo è l'assunto di partenza, i toni della storia si fanno via via più netti, accesi, a tratti grotteschi e persino surreali, per evidenziare le contraddizioni, il caos dei sentimenti che attraggono e respingono i protagonisti.

Questo caos interiore si riflette all'esterno dei personaggi e si materializza in una città - "la più bella del mondo", come ci tiene a definirla uno dei nostri protagonisti - che appare però al suo punto di non ritorno, stretta com'è nella morsa del traffico, del disagio e dell'incomunicabilità. In questa cornice folle e pulsante, si va configurando il cuore della vicenda: il gesto inaspettato di uno di loro, Gianluca, che ha colto il senso di inutilità della propria esistenza, trascinata in quella sopravvivenza che vita vera non è. Gianluca si arrampica sul Colosseo - emblema della Città Eterna, della sua storia millenaria, delle crudeltà di cui è stato testimone e dell'oblio del Tempo - probabilmente per ridare a se stesso e al mondo un significato, un motivo per continuare. Gli amici accolgono questa richiesta di aiuto, ma lo fanno a modo loro, con la consueta, inconsapevole, rassegnata superficialità. Il salvataggio dell'amico diventa improvvisamente uno stimolo, un obbiettivo per contrastare l'impotenza che contraddistingue le loro giornate. Ma si rivela ben presto un'occasione fatua di socialità, più che un reale desiderio di salvare una vita.

Si continua a sfuggire, con lo stordimento delle parole e con l'assurdità delle situazioni contingenti, anche solo la possibilità di una riflessione personale che la circostanza stessa dovrebbe suggerire. I nostri amici sognano di essere eroi, vittime come sono di una società dei mass media, una società che enfatizza e inventa disastri immaginari, pur di distrarsi da quelli reali. Una società che poi obbliga al "salvataggio" o alla "riabilitazione" di un essere umano, senza domandarsi il perché, senza fermarsi a considerare i motivi di un gesto così radicale. E sono proprio i mass media - che rilanciano la notizia del presunto tentativo di suicidio - a essere i protagonisti collaterali della storia. Le "news" rimbalzano dalla televisione che manifesta la sua potenza portando i genitori del ragazzo agli onori della cronaca, e sbattendoli poi in un appello per salvare la vita del figlio: parole che vorrebbero e dovrebbero essere salvifiche, ma che non fanno altro che ribadire ancora una volta la vanità e l'assenza dei sentimenti. Per fortuna, in questo mondo che gira a vuoto facendo un gran chiasso, un mondo fin troppo reale e riconoscibile, esiste almeno una figura che vi si contrappone, e che è l'unica vera chance di Gianluca. Si tratta della nonna, una donna che appare forte, ancorata a valori che possono sembrare superati ma che si rivelano in realtà saldi e vitali e che si manifestano a Gianluca con il loro carico di poesia, di verità, di libertà, sorprendentemente "moderni" e addirittura rivoluzionari.

Valori che si fondano sulla saggezza di una donna che ha vissuto, che ha visto con i propri occhi - e non attraverso la televisione - le guerre, il dolore, la paura, la fame, ma che ha parimenti vissuto la gioia vera e profonda del godere delle ricchezze della vita, anche nei suoi aspetti più semplici. Questa donna, esile ed energica allo stesso tempo, si arrampica sul Colosseo in virtù di una forza misteriosa che ha evidentemente a che fare con l'amore puro, sempre in bilico tra realtà e sogno. La nonna è vera, reale, concreta, mentre tutti gli altri conducono un'esistenza ovattata, ipnotica, del tutto inconsapevole, in un mondo dove i "vivi" costringono negli "archivi" cimiteriali i morti, per poterli rispolverare quando vogliono, e respingono sottoterra, al buio di una metropolitana, i morti "viventi", gli esseri umani alla deriva, abbandonati a se stessi e alla loro infermità fisica o mentale. Chissà se Gianluca riuscirà a trovare la forza per scendere di nuovo nel mondo da cui si è voluto allontanare perché vittima di una sensibilità che gli permette di guardarlo negli occhi, quel mondo. Gianluca conosce la disperazione, quella che gli altri non vogliono vedere, e con il suo gesto denuncia la difficoltà di vivere in un mercato dove la poesia, l'arte in genere, non hanno più valore.

Da un punto di vista cinematografico, l'idea portante è quella di accostare due mondi apparentemente inconciliabili: da un lato una realtà iper-realistica, cruda e spiazzante nella sua comica, esilarante tragicità, girata con movimenti macchina scattanti e piani sequenza che ci immergano direttamente nella concitazione delle situazioni; dall'altro un mondo inventato, irreale, tra le nuvole, dove Gianluca, in bilico sulla città, spera di trovare o di ritrovare un Eden agognato o rimpianto. Inquadrature classiche, campi e controcampi, morbide carrellate e soggettive sulla città, per valorizzare l'atmosfera "sospesa" e descrivere gli stati d'animo.

Un mondo fittizio e pericoloso anch'esso in fondo, in quanto distante dalla realtà. Da un lato, quindi, la violenza verbale e acustica di una società che corre follemente verso una meta del tutto sconosciuta, e dall'altro il silenzio ovattato di un eremo che si erge in osservazione del mondo sottostante. Un silenzio che invita a rallentare per dar spazio al ricordo, alla riflessione, alla contemplazione. Si è scelto lo stile della commedia, il veicolo della comicità, per portare più a fondo possibile l'immedesimazione e per allentare la soglia critica dello spettatore. Le coppie di amici del film sono disegnate secondo le tipologie comiche classiche e sempre efficaci che vanno dal muto, al cinema americano, a quello italiano che ha dato vita a personaggi ed attori indimenticabili, fiore all'occhiello del nostro cinema. Sarà solo in una seconda fase, dunque, che si tireranno le somme di quella contrapposizione caotica e surreale insieme, che ha avuto la meglio fin lì, strappando risate e stupore.

Luciano Melchionna

NOTE DI REGIA

Tutta colpa di Giuda

Ho cominciato a frequentare il carcere nove anni fa. Mi fu chiesto di fare lezioni di montaggio in un corso di formazione per video-editor e operatori a San Vittore. L'impatto con il gruppo dei detenuti che frequentava quel corso fu così forte che chiesi un permesso da volontario e da allora continuo a lavorare "dentro". Nel 2004, per una serie di ragioni, ho smesso di andare a San Vittore e ho cominciato a frequentare le Vallette di Torino, la mia città, dove vado tuttora.
Lì frequento una sezione sperimentale simile a quella descritta da don Iridio nel film: delinquenti di piccolo calibro, quasi tutti con problemi di droga, anche se in sezione ci sono alcuni condannati per reati più importanti e anche un ergastolano. Nel 2006 eravamo già pronti a girare, ma poi arrivò l'indulto e ci ritrovammo in sezione solo io e l'ergastolano... Ci è voluto un altro anno per ricostruire un gruppo. Il film, però, non è "sul" carcere, semmai è "nel" carcere. Ammesso che i film debbano essere per forza "su" qualcosa, Tutta colpa di Giuda parla della religione. Quando ho pensato alla storia del film mi è subito parso evidente che il carcere sarebbe stato un formidabile catalizzatore per trasformare una storia "intellettual-filosofica" in una vicenda realistica con delle grandi potenzialità di commedia. All'improvviso mi è balenato in mente un luogo in cui nessuno farebbe il Giuda (in pubblico, naturalmente - perchè poi dentro gli infami ci sono, eccome): il carcere. E in particolare la recita di una Passione in cui nessuno vuole fare quel ruolo. Ho provato a pensare a cosa avrebbe fatto il regista... E da lì si è messo in moto tutto.

Davide Ferrario

NOTE DI REGIA

Di me cosa ne sai

Una forma strisciante di guerra mondiale è in corso da anni: è una guerra per il controllo della produzione e della distribuzione di immagini, in un mondo in cui l'immagine è l'essenza di ogni comunicazione, di ogni transazione economica, insomma la più alta e sottile forma di esercizio del potere. In questa "guerra" gli autori, i cineasti, i creatori di immagini sono sempre più spesso tenuti ai margini, specialmente nel nostro paese.

Quando, esattamente quattro anni fa, iniziammo a discutere con altri registi intorno all'idea di un'indagine o un "FILM BIANCO" sul cinema italiano eravamo coscienti della difficoltà dell'impresa. Era dai tempi de "La Macchina Cinema" di Agosti-Bellocchio-Petraglia-Rulli che non si tentava un racconto del cinema italiano: esattamente trent'anni, gli anni che ci separano da quel bivio che per il nostro paese hanno rappresentato gli anni Settanta.

Questo lungo silenzio, questa assenza, sono già di per sè eloquenti. Che cosa è successo al cinema italiano? Perchè si è interrotta quella stagione che aveva visto il nostro cinema primeggiare nel mondo sia artisticamente che commercialmente dal dopoguerra agli anni Settanta?

A differenza di altri misteri italiani, qui non ci sono cadaveri, nè stragi; non ci sono state indagini nè processi, e neanche prime pagine dei giornali. Tra i tanti misteri senza soluzione che affollano quegli anni, questo è tra i più trascurati: forse perchè in Italia tutto ciò che non è parola scritta o informazione non viene considerato qualcosa di autenticamente importante dal punto di vista culturale.

Man mano che procedevamo raccogliendo interviste e facendo ricerche negli archivi audiovisivi, ci siamo resi conto che l'indagine su come fosse stata smontata la nostra "macchina cinema" si intrecciava in modo inscindibile con ciò che stiamo vivendo oggi dal punto di vista politico e culturale. In questo senso "Di me cosa ne sai" è un film politico perchè pone la questione della qualità di ciò che ha sostituito il cinema al centro della nostra comunità, e allo stesso tempo si interroga su quale possa essere il ruolo degli autori di cinema oggi.

È la storia di una sostituzione da più punti di vista: registi, produttori, esercenti... ma anche il pubblico, gli spettatori. Una storia che attraversa anche tutti i formati del cinema e della televisione - dal 35mm. all'alta definizione, dalle riprese con un cellulare al super 16mm. - portando sul grande schermo le immagini di repertorio della televisione fianco a fianco con frammenti di capolavori del nostro cinema.

Seguendo il filo della nostra ricostruzione - che a tratti assume i contorni di un giallo - ci siamo imbattuti in questioni molto più grandi, che investono idee fondanti come quelle di democrazia e di libertà. L'Italia ci è apparsa nella nostra lunga indagine sempre più come un paese che non conosce se stesso, un paese bloccato dalle molte verità che sono state cancellate o ignorate, che ha un disperato bisogno di un cinema e una televisione più liberi di creare qualità e autentica conoscenza della realtà.

Valerio Jalongo

NOTE DI REGIA

La fisica dell'acqua

La verità è rivoluzionaria e lo sarà sempre. Ma da sempre, dagli albori della storia sociale dell'uomo, essa viene e manipolata e sottrat¬ta, spesso seminando un'amara rassegnazione all'infelicità. A un certo punto della mia vita ho cominciato a essere molto sensibile alla sottrazione della verità che gli adulti fanno ai bambini: infatti, è da quel gesto così pieno di significato, fatto per lo più con sistematica incoscienza, che ha origine il perpetuarsi del mondo deprivato della verità. Ecco come sono arrivato all'idea di questo film, del contatto con la verità più pura, quella cercata da un bambino. Una verità personale, non ideologica, che ha il sapore di una piccola rivoluzione, perchè ad affermarla è un bambino che non si arrende, che ha il coraggio di ribellarsi agli adulti.

Ma la rivoluzione - o cambiamento - determinato dalla verità porta in sè un elemento tragi¬co: ecco perchè ho scelto ed elaborato assieme agli sceneggiatori una storia che tenesse insieme l'istinto di ribellione con il nucleo della tragedia classica. Ho collocato - non senza difficoltà - il cuore della storia in una zona posta simbolicamente al confine con la cosci¬enza; perchè la verità non si manifesta mai a mezzogiorno, ma nelle ombre dell'alba o del tramonto; in questo caso, nell'acqua di notte. Lì, portando con l'istinto la coscienza ai suoi limiti, il bambino coglie la verità, nell'attimo in cui si rivela; da lì può scendere nel pozzo della memoria. Che si possano trattenere i ricordi di pochi mesi di vita è stato per molto tempo dubbio; io lo credo possibile (in ogni caso sono riportate diverse evidenze cliniche), e l'ho utilizzato nel film per indicare il percorso verso la riappropriazione di sè fatto da Alessandro.

E la verità voglio dirla ora, qui, evitando di occultare la difficile storia produttiva di questo film, che lo ha visto interrompersi alla fine delle riprese alcuni anni fa, per il fallimento del¬la casa di produzione. Preferisco rischiare il patetico piuttosto che proporre brodini riscal¬dati: il suo recupero è stato un percorso difficile, ma questa piccola opera si ostinava così caparbiamente a vivere da sorprendermi a volte, portandomi a pensare che la travagliata storia produttiva in qualche modo ricapitolasse il film stesso, e non potesse essere altra. Essa comunque si è ripagata col calore e l'aiuto di molti amici che hanno creduto nel film, con molte intelligenze che ci hanno lavorato, e con incontri importanti come quello con Esmeralda Calabria, che ha trovato la strada - per me misteriosa - per mettere l'intero film al livello degli occhi del piccolo protagonista; e con Renzo Rossellini, che si sta occupando del mio film con quel suo confortevole bagaglio antico e forte di tanti film prodotti, di tanti profondi insegnamenti lasciati da Roberto e ancora vivissimi, a cui mi sento inesorabilmente legato.

Passando dai contenuti alla forma, alla regia e allo stile del film, beh, mi sento figlio più di Georges Mèliès che dei Lumière, (che considero ben rappresentare la parte affaristica del cinema, sempre così problematica...) ed è da artigiano che ho lavorato fin dall'inizio, provandone un'intrinseca soddisfazione. Ho cercato di farlo con pazienza e meticolosità, progettando le sequenze, le immagini una a una. Molte parti del film poggiano sulla rappre¬sentazione dello stato alterato della coscienza del bimbo. Facendo tesoro di molta passione ed esperienza nel campo, ho inoltre realizzato personalmente i visual effects in 2k assieme a Matteo Marson, con un'esperienza di controllo diretto e completo dell'immagine che mi ha riavvicinato all'essenza del cinema; che continua, credo, oltre la morte della pellicola, oltre i rivolgimenti di mezzi e sistemi.

Felice Farina

NOTE DI REGIA

La cosa giusta

"Domanda: Di chi è il film? Passate una giornata sul set e lo saprete. è di tutti quelli che ci hanno lavorato"
David Mamet, Bambi contro Godzilla, Minimum Fax

Volevo raccontare questa storia.
Il mio approccio alla regia è stato fondamentalmente quello dello sceneggiatore.
Scrivere una sceneggiatura significa dirigere un film immaginario: visualizzare, in dettaglio, nel teatro della propria mente, e tenere insieme le parti con una certa coerenza.
La sceneggiatura è la prefigurazione di una regia. Sul set, cerco di dar corpo all' immaginazione - nel decidere i punti macchina, il taglio delle inquadrature - e di ritrovarla e saperla riconoscere - nei toni, nei gesti degli attori, nei luoghi.
Nella concitazione del set ho cercato di proteggere il copione scritto insieme a Giovanni De Feo. Ho tentato di preservare, di non spezzare un tessuto, di controllare gli incidenti e gli imprevisti, e di aggiungere, conoscendo le parti, ciò che si poteva trovare per strada, nel concreto delle location, confrontandosi con la sensibilità degli attori, con il direttore della fotografia e la troupe.

Sin dall'inizio abbiamo deciso di differenziare - nello stile di fotografia, nell'uso di pellicole diverse, nel tipo di inquadrature - i due luoghi del film, Torino e Tunisi, e di fare questo in rapporto al protagonista Eugenio. A Torino c'è un viandante che conduce le sue due ombre a percorrere luoghi spesso decentrati, marginali, anomici, talvolta sconosciuti. Siamo su di loro, sul loro rapporto, e quando allarghiamo ci appaiono spesso come sospesi in un ambiente, separati. Tunisi è invece ripresa nella sua "pienezza", in un ambiente che avvolge Khalid, che affascina Eugenio, ma nel quale finisce per perdersi ed estranearsi.

I miei obiettivi, come regista, sono stati fondamentalmente due:
1) creare Personaggi che - per le loro contraddizioni, i loro dubbi e desideri, le loro decisioni, il loro mettersi in discussione, per la loro stessa opacità, per il rapporto che costruiscono tra loro - lo spettatore possa "portarsi a casa", come un incontro con qualcosa di "vivo", a più dimensioni, all'uscita dalla sala;
2) non annoiare nel raccontare una storia che - anche con le armi dell'ironia, dello spiazzamento, di una certa "leggerezza" - conduca però a una riflessione, a una conclusione amara, a delle domande piuttosto che a risposte, a dei dubbi da portarsi a casa, piuttosto che a una riconciliazione, a un "tutto alla fine si ricompone".

C'è - credo - una lacerazione, una rinnovata "opacità" del mondo, una difficoltà a conoscere e confrontarsi, una diffidenza crescente verso l'estraneo. E credo che abbia un senso rappresentarla, senza ricomporre lo strappo nel racconto, per quanto ciò possa apparire, alla fine, gradevole e rassicurante.

Queste erano le intenzioni. So che tutti quelli che hanno fatto il film - dall'attrezzista che arrivava per primo sul set all'alba ai protagonisti che riempiono lo schermo - hanno lavorato con passione e convinzione. E spero che queste cose passino, un po', attraverso i fotogrammi.

Marco Campogiani

NOTE DI REGIA

Good morning Aman

La struttura drammaturgica di Good Morning Aman viaggia su due registri diversi, ho voluto alternare momenti di estremo e solido realismo a momenti in cui lo
spettatore è portato in un universo surreale, svelato dal continuo flusso mentale di Aman. L'approccio visivo, e il linguaggio del film tiene conto di questa cifra stilistica. I
movimenti di macchina, l'uso delle ottiche e l'approccio fotografico sono diversi in base ai momenti dell'arco narrativo.

La macchina da presa è al servizio degli attori e l'uso di ottiche molto strette mi ha permesso di rimanere il più possibile addosso ai personaggi, senza tralasciare
comunque alcuni momenti di sospensione all'interno dei quali poter riflettere su di loro.

Ho usato invece uno stile "celebrativo", fatto di movimenti di macchina lenti, geometrici, per raccontare la solitudine e il dolore. Per entrare nella casa di Teodoro ho usato, invece, ottiche più larghe, descrittive che mi hanno permesso di raccontare l'ambiente dove Teodoro è chiuso da anni, cercando di soffocare la sua sofferenza.

Ho voluto raccontare una storia dai toni metafisici, ma rigorosamente legati alla realtà, una continua scoperta della vita. Good Morning Aman è un vero romanzo di formazione in cui si mettono a confronto due umanità smarrite e alla ricerca della propria identità; uno sguardo sull'irreversibile processo multiculturale che sta cambiando la nostra società. Aman è un guerriero, che impugna una lancia affilata per trafiggere l'indifferenza. Si arma per scrollarsi di dosso le sue paure, le sue delusioni, le sue speranze. Il suo è un grido di aiuto che fa ad ogni singolo spettatore... e per questo ogni singolo spettatore amerà

Aman!

Claudio Noce

NOTE DI REGIA

Il sole di Nina

Camminavo per le strade di Mantova alla ricerca di uno spunto forte per realizzare un film che avesse anche a che fare con la città. L'acqua è un elemento importante, forse la vera protagonista: i laghi che circondano, proteggono ma al tempo stesso non lasciano possibilità alla città di modificarsi.
Ogni volta che scendevo dal treno e arrivavo a Mantova, andavo subito in giro a prendere appunti. Cercavo una storia e volevo che fosse proprio la città a suggerirmela. Sulla mia moleskine avevo scritto l'appunto: Clown, Clown come angelo, personaggio nemico dei confini dell'animo umano. Un angelo con la maschera da clown che rappresenta quanto di "incomprensibile" nasconde la nostra normalità "apparente".

Il clown è un adulto che torna bambino per ricucire le ferite della propria infanzia, tutte quelle cose che sono rimaste a metà. L'angelo-clown di questo film usa la maschera non solo per sanare i suoi dolori, ma anche e soprattutto curare quelli dei personaggi che incontra.

Cercavo la mia storia a Mantova, ma l'idea di un clown come protagonista aveva preso forma nella città dove risiedo da circa undici anni, Udine, in un pomeriggio dell'aprile 2006. In un appartamento all'ultimo piano di un palazzo del centro storico vive veramente un "angelo"; è ancora lì. Non dirò mai chi è; in fondo non è mai necessario raccontare tutto.

Ho cominciato a preparare il film solo con questa idea.

Nella ricerca degli esterni, Mantova si è confermata subito la location ideale, così ricca di posti bellissimi, colorati e al tempo stesso neutri, senza colore, freddi. Mi era d'altronde subito piaciuto questo estremo così visibile: molte scene sono nate da lì, sono state scritte per alcuni luoghi che hanno catturato la mia attenzione e curiosità.
Il lago - l'acqua - è un elemento ricorrente nel film perchè, come la vita, incontra e riflette molte cose diverse. I colori utilizzati ne Il Sole di Nina e l'atmosfera malinconica che ho voluto ricreare, grazie anche alla grande sensibilità del direttore della fotografia - e amico - Daniele Trani, traducono lo stato mentale della protagonista.
Il soggetto trae ispirazione dalla realtà, da qualcosa che mi è successo realmente; ma poi, per raccontare questa storia, pur partendo dalla vita vera, sono scivolato nei ricordi e nella "fantasia-finzione" più emotiva. Credo che quando si ha in mente di scrivere una sceneggiatura, sia necessario staccarsi da tutto, diventare un altro, entrare dentro tutti i personaggi che si vogliono raccontare. Io stesso mi sono dunque trovato ad essere ognuno di loro, mi sono avvicinato alle loro emozioni, alle loro debolezze e alla loro forza; in ciascuno di loro c'è una parte di me.

Capirete che uno, poi, di notte non dorme proprio benissimo con tutti questi personaggi "dentro".

La prima fase della sceneggiatura de Il Sole di Nina è stata quella più spontanea, quella senza rumori, semplicemente libera: mi sono lasciato soprattutto attraversare dalle emozioni più forti che la città di Mantova mi ha suscitato. Poi, più razionalmente, ho cominciato a chiedermi cosa volevo raccontare, per me stesso e per gli altri.
Insieme all'attrice Silvia Benedini ho costruito il personaggio del clown-angelo: è stata lei stessa a suggerire il nome Nina, volendo mantenere lo stesso che aveva utilizzato durante un laboratorio tenuto da Tapani Mononen (l'attore che nel film interpreta Herman Sternis). Insieme, siamo riusciti a riempire un cerchio di dubbi e di emozioni.
Silvia è una quelle attrici piene di passione, si mette sempre in gioco, nel suo cuore c'è sempre una domanda: Perchè?

Non nascondo che i suoi "perchè" a volte mi hanno messo in crisi e anche infastidito: non sempre ero capace di dare subito una risposta ai dubbi e alle richieste di chiarimento provenienti da una personalità come la sua. Ho imparato che davanti alla domanda "perchè", qualsiasi sia la risposta, anche il silenzio è gratitudine.
Nessuno dei miei lavori lo considero davvero concluso. Dentro di me, ogni mio progetto, ogni mia storia, ogni mia musica, nasce da un punto preciso per giungere ad un altro altrettanto definito, ma ciò che chiude il cerchio, la risposta personale che risolve e chiarisce l'idea che sta alla base delle mie opere, la lascio sospesa, tendo a nasconderla agli spettatori. Un film non dice cosa è giusto o sbagliato: racconta solo situazioni che accadono o che vorremmo accadessero, che fanno parte della vita di ogni persona. A chi lo vede spetta il compito (e il piacere, mi auguro) di chiudere il percorso del senso, riempiendo uno spazio che a lui solo appartiene, luogo in cui io non voglio rientrare.

Nel film ho d'altronde messo molto di ciò che mi appartiene; in particolare, la musica.

Questo mio lavoro, come tutti gli altri, è stato fortemente influenzato da questa mia passione: il pianoforte è la mia prima professione. La musica che nasce ed esce da uno strumento è sempre qualcosa di vero, reale, genuino; non ha bisogno di finzione. Per questo è parte della storia e non poteva che accompagnare tutto il racconto: nasce da esso e lo fa scaturire a sua volta.

Un film non si conclude con la fine delle riprese: l'inizio del montaggio rappresenta una nuova salita fatta di tanti piccoli sassi, il sentiero lì non esiste più. Tra l'autore e il montatore, il sognatore e il razionale, si crea una complicità molto forte, per la quale si cade e si scivola sui sassi insieme, ridendo in due a sorriso stretto, per poi rialzarsi, aiutandosi. Così è stato tra me e Michele Santamaria, il quale ha apportato nuovi punti di vista prima non considerati e importanti soluzioni. Ha inoltre montato tre versioni de Il Sole di Nina, l'ultima delle quali è certamente la più completa, nonostante il senso ultimo rimanga comunque sospeso. Come ho già detto, il suo percorso comprende anche lo spettatore. D'altronde il cinema è un gioco di squadra: si fa ricco di tanti ruoli diversi. Coloro che li recitano in senso stretto sono altre tessere imprescindibili.

Ho scelto Silvia per il personaggio protagonista perchè prima de Il Sole di Nina avevo scritto una pièce teatrale, Il valore delle mani, a cui lei aveva partecipato alimentando il lavoro con la sua forte sensibilità artistica e il suo grande talento mimico; avevo bisogno di una ragazza molto dolce e che sapesse gestire la maschera del Clown e il corpo senza aver paura. Gran parte del fascino di Silvia sta nella capacità unica di recitare proprio con tutto il corpo, grazie ad un eccezionale carisma fisionomico. Basta guardare le belle foto di scena e di backstage scattate da Elia Falaschi per rendersene conto.

A metà delle riprese ricordo di essermi chiesto quanto di Nina ci fosse in Silvia e viceversa.

Silvia ha lavorato tantissimo, non si è mai fermata: senza orari, senza paure, anche nelle scene più pericolose, sui tetti delle case, sugli alberi, e non solo. Non è mai soddisfatta della sua interpretazione: è un'attrice che da tutto, e chiede anche tutto. Quando un attore entra troppo nel personaggio e vi si perde dentro, non si rende più conto dell'emozione che ha regalato a chi sta dietro la telecamera e allora non c'è verso di fargli capire che lui stesso è diventato quell'emozione, anche se sembra non riconoscerselo.
Il suo personaggio, Nina, non è affatto facile: usa poco le parole, e lo fa solo quando la storia inizia a prendere forma, a trovare la curva narrativa; così il suo silenzio diventa un mezzo di comunicazione fondamentale con le persone che la vedono o la sentono, ma anche con quelle che non la vedono affatto.

Forse Nina è l'anima ferita di un tempo passato: ha sofferto e non racconterà mai il perchè. Solo porta con sè un interrogativo: Che cos'è l'amore? La ricerca della risposta le dà una direzione e coinvolge tutti i personaggi che lei, angelo col naso rosso, accompagna e protegge.

Il Sole di Nina è la trama di una poesia con personaggi che si incontrano e non si incontrano, personaggi che più che per essere guardati sono tratteggiati per essere ascoltati, percepiti per quello che evocano.

Il barbone è quanto di incomprensibile (e inaccettabile?) nasconde la nostra normalità. Appartiene alla realtà, e se la società ha molte facce come tutte le cose finte, anche il barbone cambia il suo nome, scegliendosi Pedro. Per questo ruolo ho scelto Werner Di Donato, che proviene dalla vecchia scuola del cinema, quella fatta di carne e sangue, quella vera, che forse purtroppo oggi non c'è più. Anche con lui avevo già lavorato: era stato il protagonista di un mio mediometraggio dal titolo Bastasse il Mare. Per Pedro Nina rappresenta un enigma: può essere la vita, la morte, o niente, non si sa. La follia di Pedro è il silenzio di Nina. Lei lo segue o è lui che pensa di essere seguito da lei: è come se Nina fosse dentro di Lui e viceversa. Non si incontreranno mai forse proprio per questo, nonostante riescano a sentirsi e i loro occhi a guardarsi. Lei sarà presente anche mentre lui morirà, in una notte d'inverno, tra le braccia del violinista ebreo. Nelle follie di Pedro c'è anche spazio per le sue pesanti sentenze sull'indifferenza della società - che toccano, in alcuni casi, anche momenti comici. La disillusione e l'ironia sono la sua chiave per sdrammatizzare la realtà di una società dove l'apparenza è l'unica sostanza rimasta.

Tapani Mononen è un attore finlandese con cui ho lavorato ne Il Valore delle Mani e in uno spettacolo scritto da lui dal titolo Quello che resta, per il quale ho composto le musiche; da allora ci lega una forte amicizia. Nel film interpreta Herman Sternis, l'uomo d'affari tornato dopo tanti anni nella sua città d'origine per comprare l'ultima opera del padre pittore e dove deciderà di restare per sempre. Tapani mi offriva quasi interamente quello di cui avevo bisogno per la figura di Herman: ho scritto il personaggio su di lui, mi piace il suo modo di recitare, così fortemente emotivo. Herman è un uomo chiuso e apparentemente freddo, pieno di silenzi, non sa esprimere quello che ha dentro: i sentimenti che custodisce nel profondo emergono solo durante la notte, nei sogni, nei quali fa irruzione Nina che con la sua amara dolcezza lo mette di fronte la verità. Anche Alberto, custode delle proprietà della famiglia di Herman, svolgerà un ruolo simile a quello di Nina; attraverso i suoi racconti farà affiorare nel cuore di Herman un mondo che aveva dimenticato, e lui si ricorderà così chi è veramente. Chi rimane in silenzio può riflettere e far riflettere: i miei personaggi sono feriti dalla vita e a persone come Herman non piace molto parlare: a fatica risponde e comunica con gli altri e se lo fa, è comunque in modo duro e deciso. È un solitario.

La prima volta che ho incontrato Giovanni Franzoni, il violinista ebreo de Il Sole di Nina, è stato una sera di settembre del 2006, all'inaugurazione della mostra del Mantegna a Palazzo Tè: recitava alcune letture e mi ha emozionato molto la sua interpretazione. Ricordo che c'è stata subito una bella intesa. È una persona vera, un gran sognatore, ci siamo capiti in maniera diretta senza sovrastrutture; è una di quelle persone che ti fanno sentire meno solo; come me non ha paura di essere estremo, pur rendendosene conto.

Ho iniziato a raccontargli subito del film e del personaggio che avrei desiderato interpretasse, sentivo che quella figura con la sua presenza avrebbe potuto essere qualcosa di veramente speciale, e così è stato, per entrambi.

È stato Giovanni a farmi vedere la casa galleggiante costruita da suo cugino Andrea e dai suoi amici, (grandi sostenitori del film) e da lì è nata l'idea di fare del lago la dimora del musicista.

Il violinista ebreo è forse il personaggio più enigmatico, intenso, denso quanto il colore della sua casa sull'acqua, così diversa da tutte le altre che si vedono nel film: è la sola libera di muoversi. Nina illuminerà i suoi dubbi finchè lui non prenderà la decisione di andarsene, lasciando il lago dietro di sè, e rinunciando alla calma e riconfortante immobilità dello specchio liquido, fatta di tracce di eventi che il tempo ha conservato integri: i ricordi, ammonimenti severi per quello che l'uomo non ha avuto il coraggio d'essere, o di vedere di sè. Immagini ferite, che raccontano di un'innocenza perduta e di una integrità alla fine riconquistata. Qualsiasi città suggerisce all'uomo che la abita di andarsene. È un modo per ritrovare se stessi dal distacco. Poi si torna, ma con un bagaglio meno carico e pesante di quando si è partiti. Magari vuoto, come succederà a lui.
Anche a Bianca, giovane e irrequieta fotografa, delusa da un amore giunto alla fine e dalle amicizie apparenti che la circondano, una decisione radicale come quella della partenza o dell'abbandono offre una risposta: nella cornice che da anni ha preservato vuota per metterci l'immagine più importante della sua vita, potrà finalmente riporre la foto del bambino che porta dentro di sè. Bianca non vede Nina, nè può sentirla; eppure Nina resta con lei, sempre, ne condivide inquietudini e ricerche.

Il personaggio di Bianca vive dentro il corpo di Federica Restani. Federica è stata una piacevole sorpresa: è una di quelle interpreti di discreta costanza e di chiaro talento, intensa e delicata al tempo stesso. Ha un vastissimo repertorio di emozioni nella sua valigia di attrice e nei panni di Bianca è come se il suo viso parlasse cento lingue e i suoi occhi raccontassero cento storie: sa sembrare fragile e forte allo stesso tempo, sconvolta e assolutamente bella, illuminata da una luce che le viene da dentro. Bianca è in costante metamorfosi, proprio come Federica che, per come la vedo io, è sempre con la valigia in mano, alla ricerca di sentimenti forti, le sue emozioni sono costantemente in superficie; una donna che non appartiene a questo tempo.

L'attore che interpreta Alberto, il vecchio custode delle proprietà di famiglia di Herman, è un oceano di umiltà - vorrei tanto averne almeno la metà. È Silvano Palmierini, che ho conosciuto una sera del novembre del 2006, proprio quando stavo cercando la persona che avrebbe potuto recitare questo ruolo. Sono stato invitato a visitare la sede del Teatro Campogagliani di Mantova durante le prove dello spettacolo Re Lear, e così l'ho visto. È difficile parlare di Silvano e della sua sottile malinconia: è un attore completo, la sua bellezza e bravura stanno nel fatto che gli viene naturale uscire dalla finzione cinematografica. Ha dato vita ad Alberto con una spontaneità quasi imbarazzante, certamente unica. Interprete sensibile della realtà che lo circondava, ha saputo raccontare, far ricordare, provocare l'anima ferita di Herman, con grande umanità e soprattutto con tanta, tanta verità. è difficile per me che ho trent'anni descrivere le sensazioni, la sensibilità che un uomo come Silvano ha dentro e che, senza chiedere nulla in cambio, mi ha regalato e mi ha insegnato. Le voglio conservare intensamente, custodirle per ora egoisticamente nel mio cuore; forse un domani le farò salire nella mente.

Un personaggio che dovrebbe avere meno spazio degli altri e invece ha molte cose da dire grazie alla sua forza e debolezza è il ragazzo cieco; il suo interprete è Stefano Mangoni. Un cieco è cieco nelle terra dei vedenti; il suo handicap, la sua difficoltà gli dà però una sensibilità estrema, che lo porterà a percepire più di altri la presenza di Nina. Stefano ha studiato tanto il suo personaggio, si è documentato molto per essere credibile e naturale; il suo impegno mi ha davvero colpito e il risultato è stato molto buono.

Nel film, Nina rappresenta il punto di partenza e insieme il punto di arrivo.

L'evoluzione positiva dei personaggi, della storia del film e della vita. Forse anche della mia.

Non è infatti un caso che io abbia voluto girare due scene importanti nelle due città a cui sono più legato: Roma e Trieste.

La prima perchè custodisce i miei anni accademici, intensi e fortemente rivelatori; il ponte che si vede nella scena è quello degli Angeli, dietro Castel Sant'Angelo. Lì, a ridosso del fiume Tevere, delle sue acque torbide ma sempre rinnovate, ho passato ore bellissime a leggere e pensare. È stato importante riportare ne Il Sole di Nina quel luogo e l'energia di cui è permeato.

Trieste è invece la mia città natale e c'è un posto al quale sono particolarmente legato che non potevo non includere nel film: il Faro della Vittoria. È uno dei fari più importanti d'Europa e, per me, il più luminoso; un approdo al quale mi ancoro.

Poi c'è un terzo luogo: il lago, appunto. Il film si apre con l'immagine rossa della casa galleggiante, immersa in quella luce di transizione che caratterizza il film intero. In quella scena iniziale si vedono Nina, che cammina lungo il lago guardando l'orizzonte, e il violinista, che sospeso sul lago chiude la porta della sua casa, sbarrando fuori la luce.
Le ultime immagini del film ci riportano a Nina che si toglie la maschera ancora davanti al lago e al violinista che cammina sereno per Roma senza il suo violino. Il racconto si chiude con l'inquadratura della casa sul lago abbandonata, una panchina vuota, lo specchio d'acqua di nuovo immerso nella luce rossastra.

Il ripetersi dei destini non provoca saggezza, ma crea sempre nuovi dubbi e illusioni.

Al termine di tutto, non posso non rivolgere alcuni ringraziamenti importanti.

Un grazie particolare va ai maggiori promotori de Il Sole di Nina, senza i quali difficilmente sarei riuscito a realizzare il progetto: Lubiam Moda per l'Uomo e la Fondazione Banca Agricola Mantovana. Altri due enti hanno assicurato, mediante il proprio apporto, la buona riuscita del progetto: l'Assessorato Politiche Sociali della Provincia di Mantova, nella persona dell'assessore Fausto Banzi, e il Comune di Mantova tramite l'Assessorato alla Cultura, che ha visto in Giulia Longhini un prezioso aiuto.

All'Azienda udinese Trudi e Sevi devo assolutamente riservare un ringraziamento particolare per aver donato materiali e prodotti utilizzati durante le riprese, atto che ha contribuito ad arricchire e rafforzare il messaggio di solidarietà del progetto, rivolto in particolar modo ai bambini svantaggiati.

Un sentito ringraziamento va inoltre al Presidente del Club UNESCO di Udine, Dott.ssa Renata Capria D'Aronco, Segretario Generale della Federazione Italiana dei Club e Centri UNESCO.

Un caloroso grazie al cast tecnico e artistico e a tutte le comparse.

Un grazie particolare ad alcune persone a me molto care, che mi hanno dimostrato senza alcuna riserva sostegno e appoggio durante la realizzazione e la post-produzione del film: la famiglia Benedini e Bianchi.

Ringrazio di cuore e con tutto il mio amore mia madre Fiorella, perchè inconsapevolmente mi ha aiutato a costruire questo progetto, e Giovanni per aver condiviso con me una sigaretta nella fredda notte del 21 dicembre 2006.

Infine tengo a ringraziare tutti coloro che hanno sostenuto il progetto durante le sue fasi di ideazione, produzione e attuazione, ma allo stesso modo tengo a ringraziare anche tutti coloro che non lo hanno sostenuto o che in qualche modo possono averlo ostacolato: a modo loro hanno rafforzato e alimentato ancor di più la determinazione mia e della Jandha Film nel raggiungere gli obiettivi che ci eravamo posti.

Dopo questo lavoro non sono più felice di prima, non del tutto.

Questo film mi ha invecchiato, e non voglio scrivere il perchè - sarebbe anche difficile spiegarlo e non sono più in grado di rispondere a nessuna domanda.
Ho voluto raccontare la speranza di un miglioramento nella propria vita. La forza di agire, di saper ascoltare i messaggi che ci arrivano, per arrivare a vivere un'esistenza diversa da quella che abbiamo fra le mani. Sono convinto che ci sia bisogno di uno spazio per riflettere e che la poesia ne apra uno importante.

La sincerità è cosa molto rara e quello che manca nel mondo che mi vedo attorno è il coraggio della responsabilità. Quello che siamo è una scelta che per diventare libera ha bisogno di un percorso non facile.

Sono anche convinto che ciò che siamo sia influenzato da fattori esterni non sempre controllabili.

La vita spesso è fortuna: il luogo in cui nasciamo, le condizioni di vita, il caso che ci porta a fare alcuni incontri piuttosto che altri, che ci porta in un punto e subito dopo ci catapulta senza avvisarci dalla parte opposta.

Sono però anche convinto che tutto ciò non sia assoluto, perchè la possibilità di confronto maturo con se stessi, con la realtà attorno a noi, prima o poi arriva.
E la possibilità di scelta anche.

Marco Arturo Messina

NOTE DI REGIA

Il prossimo tuo

Roma, Parigi, Helsinki. Tre storie di persone che per diversi motivi hanno paura degli altri. "L'altro", il vicino, è fonte di ansia e di disturbo per Maddalena, Jean Paul ed Eeva, così anche per la piccola Elena che vive a Roma ma la cui famiglia è extracomunitaria, per il professor Usko che non si è mai spostato dalla Finlandia e che è stupito e preoccupato dalla velocità con cui cambiano i tempi e la sempre maggiore mescolanza delle genti e delle lingue.
Eva è una hostess che tenta di allontanare gli altri, pensando di poter controllare la realtà, ma accanto alla sua nuova casa vive Usko che cerca di richiamarla a un rapporto umano.

Jean Paul è un giornalista che vive a Parigi e che affronta lo shock post traumatico seguito al suo essere sfuggito per pura casualità ad un attentato che ha visto morire tutti i suoi colleghi, in un luogo di guerra. Un uomo che ha quasi paura del suo essere vivo e dei pericoli che possono nascondersi dietro l'angolo, incapace ormai di rapporti umani sani, rifiuta l'amore della giovane compagna. Maddalena vive a Roma, è una giovane pittrice che non crede più nelle persone e nei sentimenti, che si rifugia nella propria arte, ma che incontrando la giovane Elena, piccola straniera piena di talento e sogni, trova qualcuno di cui occuparsi.

In un clima generale di sospetto, i protagonisti vivono storie apparentemente lontane ma con punti di contatto che illustrano un'umanità piena di differenze ma talmente uguali da fare apparire le loro storie parallele, quasi complementari.

Anne Riitta Ciccone

NOTE DI REGIA

La casa sulle nuvole

"La Casa sulle Nuvole" è un lungometraggio che nasce dalla motivazione di raccontare e analizzare, attraverso l'esperienza dei personaggi, la fuga di un uomo dall'occidente verso il sud. Una fuga dalla responsabilità, dal tempo che trascorre, dalla necessità di invecchiare.

La sceneggiatura nasce a partire da una documentazione fatta, nel corso degli ultimi due anni, sugli italiani residenti in Marocco (confluita in un documentario dal titolo Appunti per un film in Marocco). Il risultato di questa documentazione è un affresco sui padri della mia generazione: uomini che hanno vissuto la propria formazione culturale e morale negli anni '60 e '70, nel perseguimento del sogno rivoluzionario, dell'ansia di libertà, della ricerca di modelli alternativi di vita e di pensiero.

La fine degli anni '60 e '70 ha lasciato dietro di sè le sue vittime: creature eccezionali che hanno respinto il ritorno alla normalità e hanno trasformato la propria esistenza in un romanzo individuale, rifiutando di inserirsi nella società borghese e continuando a perseverare nel proprio sogno affascinante ed esotico e, contemporaneamente, nella propria irresponsabilità e nel proprio fallimento.

Il film ha inizio nel momento in cui i figli, Michele e Lorenzo, che non vedono il padre da dodici anni, vanno a cercarlo in Marocco, per metterlo di fronte alle proprie responsabilità. Di conseguenza, e in parallelo, ho voluto raccontare e analizzare in questo film il conflitto eterno, fuori dal tempo, del rapporto padre - figlio.

I figli di questa particolare generazione di padri sono degli orfani, vissuti nel trauma dell'abbandono, alla ricerca di un modello paterno solido, arcaico. Ho provato quindi a considerare il rapporto padre-figlio sia dal punto di vista antropologico che sociale e a raccontarlo con i toni del dramma e della commedia, senza alcun giudizio o presa di posizione ideologica nei confronti degli uni o degli altri.

La struttura del film, il racconto di un viaggio, è per me funzionale a mettere in scena uno dei temi principali: il contatto con la diversità. Attraverso il viaggio in Nord Africa i due fratelli vivono e patiscono il confronto con il proprio passato, con l'alterità paterna ritrovata e con la società islamica contemporanea, che è sfondo geografico e culturale della vicenda.

Anche in questo ambito ho cercato di non prender posizioni ideologiche: il modello islamico di famiglia forte, parte integrante e fondamentale della comunità, entra direttamente in opposizione con l'esperienza di abbandono e solitudine vissuta dai due fratelli. Emerge al mio sguardo, e a quello dei personaggi viaggiatori, un Magreb che si realizza nel sincretismo con il vicinissimo occidente, invidiato, anelato e corruttore.

Ho cercato di incarnare tutto questo nel personaggio di Amina, la compagna del padre, una ragazza madre che ha abbandonato il proprio villaggio per vivere a Marrakech, in un tentativo di rivalsa, attraverso la prostituzione nei night club per turisti, per accedere al benessere e al lusso immaginato dell'occidente.

Ho voluto far vivere a ciascuno dei miei personaggi, un percorso che lo porta alla conoscenza dell'altro e di conseguenza alla ridefinizione della propria individualità, fino al breve miraggio di una possibile esistenza comune, al di là di ogni differenza morale e culturale.

Claudio Giovannesi